节拍器的摆锤还在晃动，金属杆投下的影子在桌面上来回移动。苏墨的手指搭在平板边缘，屏幕亮着，分镜时间轴已经打开。她没有抬头，直接点开第三幕“生态同盟晨曦”的时间节点。
“这一段音乐的情绪升得不够。”她说，“画面是阳光穿透云层，墙体吸收光能开始重组，但配乐还是停留在低频震动，像在等待什么发生。它应该主动推动情绪。”
陆临停下笔，把刚才写下的弦乐编排暂时保存。他调出那一段音频，重新播放。
音轨里，心跳节拍器维持着稳定频率，环境底噪中有细微的噼啪声，模拟建筑材料的自我修复过程。钢琴主旋律在第47秒进入，轻柔，但确实没有明显的情感推进。
“你是说，这里需要生长感？”他问。
“对。”苏墨说，“不是突然变亮，是一点一点醒过来。音乐要让人感觉到时间在走，变化在发生。现在的版本太静态了。”
陆临点头。他关掉原版，新建一个轨道。手指在键盘上敲了几下，加入一组缓慢上升的合成器音群，音高从C2到G4，跨度两秒，渐强处理。
“试试这个。”他说。
音频响起。新的音色像是从地底升起的风，带着轻微震颤，逐渐覆盖原有的底噪。等到钢琴旋律再次进入时，背景已经有了向上牵引的力量。
苏墨盯着屏幕上的波形图。“可以。但别让它变成高潮前奏。这不是胜利，是复苏。节奏要稳，不能催促。”
“明白。”陆临调整包络参数，把上升速度拉长到四秒，削弱峰值强度，“再加一点星芽的声音作为过渡？比如用它启动时的那个清脆音效，拆解成碎片，在不同频率上分布。”
“可以试。”苏墨说，“但它不能太突出。星芽在这里不是主角，是见证者。”
陆临照做。他提取了一段0.6秒的电子音采样，切成五个片段，随机分布在新音群的不同位置。播放时，那些声音像露珠滴落水面，短暂泛起涟漪，随即融入背景。
苏墨听完，轻轻点头。“就这样。标记为‘生态启动’标准模板，后续同类场景统一参照。”
她滑动时间轴，跳转到第七幕“凌澈修复建筑核心”。
“这一段不一样。”她说，“它是悲壮，不是希望。主角知道代价，但他选择了做。”
陆临调出对应音轨。当前版本使用了低音弦乐叠加环境噪音，节奏缓慢，主旋律以单音形式断续出现。
“你觉得问题在哪？”他问。
“太冷静了。”苏墨说，“观众需要感受到重量。不是靠音量，是靠质感。你可以保留心跳节拍，但让它变得不稳定。比如每三拍有一次微小延迟，像是呼吸不畅。”
陆临立刻操作。他在节拍器轨道插入一组不规则的时间偏移，每次偏移15毫秒，间隔三拍触发一次。
音频播放后，原本稳定的节奏出现了轻微的滞涩感，仿佛某种机械系统正在超负荷运行。
“再加一层。”苏墨说，“用星芽的语音采样倒放，混进背景，音量压到听不清内容，只留一种类似叹息的气流声。”
陆临执行。他选中一段星芽说“检测完成”的录音，反转处理，降低采样率至8kHz，再混入底噪层。
新的音轨听起来更沉重了。那种压抑不是来自激烈冲突，而是源于持续消耗。
“好。”苏墨说，“这一段定下来。标记为‘牺牲序列’专用配器方案。”
她继续滑动时间轴，停在第五幕“星骸带探索”。
“这个场景我们之前做得不错。”她说，“空旷，脉冲式节奏，有孤独感。但现在回头看，它的识别度太高了，后面几次重复使用时，容易让观众麻木。”
陆临皱眉。“你是想让它变化？”
“不是替换，是演进。”苏墨说，“第一次出现时，它是未知的象征。第三次出现时，它应该带上记忆的痕迹。你可以在主旋律里加入一点点变形——比如把原来的五声音阶，改成缺一角的版本，少一个音，制造缺失感。”
陆临思考片刻，动手修改。他将原本的G-A-C-D-E五音序列改为G-A-C-D，最后一音不再闭合，留下悬置。
“还可以在脉冲节奏里加入轻微错位。”苏墨补充，“就像信号受到干扰。暗示星骸带本身也在变化。”
陆临在第三组脉冲后插入一次提前0.2秒的触发，打破原有规律。
播放效果出来后，那种熟悉的节奏依然存在，但多了一丝不安。
“很好。”苏墨说，“以后每次星骸带出现，都做一次微调。让音乐也成为叙事的一部分。”
她关闭时间轴视图，打开共情共振预测模型。屏幕上显示三条曲线：理想情感路径、实际画面节奏、当前音乐匹配度。
“你看这里。”她指着第七幕末端，“当角色做出决定时，音乐回升了一点，但幅度不够。你应该让主旋律在这个节点回归，哪怕只有一个音。”
陆临放大那段波形。“如果只放一个音，会不会太刻意？”
“不会。”苏墨说，“前提是它之前消失过。只要观众记得它，一个音就够了。就像小说里那句话——‘我来修’。三个字，什么时候说出来，都有力量。”
陆临沉默几秒，然后在编曲软件中标记了一个关键帧。
“我设一个触发点。”他说，“只有当画面切到凌澈面部特写时，才释放那个音。其他时候，压住。”
“可以。”苏墨说，“控制很重要。音乐不能抢戏，但必须在关键时刻在场。”
她翻到下一个场景分类表，准备讨论战斗序列的处理方式。
“我们还没碰真正的战斗场面。”她说，“平台方昨天又提了一次，要求前三集必须有冲突爆发点。他们担心节奏太平。”
陆临抬眼。“你打算让步？”
“不。”苏墨说，“但我们得回应他们的担忧。可以用音乐制造紧张感，而不是用打斗。”
“怎么做？”
“用断裂式的电子回声。”她说，“每一次心跳节拍之后，加一次短促的反射音，像是信号在衰减。随着剧情推进，反射越来越弱，最后只剩心跳，再然后，心跳也慢下来。”
陆临立即创建新轨道。他设计了一组0.1秒的短音，带有自然衰减尾音，设定为每次主节拍后0.3秒触发。
播放时，那种感觉出来了——不是进攻，是消耗；不是胜利前奏，是生命流逝。
“还可以把星芽的语音采样拆解。”苏墨说，“只留元音部分，混进去，音高慢慢下降，到最后几乎听不见。”
陆临照做。他选中一段“确认指令”的录音，提取A、E、I三个元音，分别嵌入三次回声中，每次音高降低半音。
音频结束时，室内安静了几秒。
“这不像战斗。”陆临说，“像告别。”
“对。”苏墨说，“这才是我们要的效果。”
她低头查看笔记，划掉已完成的条目，写下新的任务：【建立场景音乐分类标准】【定义主旋律再现规则】【战斗序列情感模型更新】。
“接下来。”她说，“我们逐帧核对主旋律的出现时机。它不能随便响，必须和角色抉择挂钩。”
陆临调出全片时间线。两人并排坐着，一帧一帧往前推。
每当主旋律即将进入时，苏墨就暂停，说明理由。
“这里不行。他还没想清楚。”
“这里可以。这是他第一次主动选择承担责任。”
“这里必须弱化。让他一个人面对，音乐不能替他表达。”
陆临一边听一边记录，在编曲软件中添加标记点。每个点都附带触发条件和情感权重。
两个小时后，他们完成了前十二幕的审核。
苏墨放下笔，端起水杯喝了一口。水已经凉了。
“还有一件事。”她说，“星芽的动机不能只靠乐器演奏。你要让它自己发声。用它的语音采样重构旋律，哪怕只是几个音符的重复。”
陆临看着她。“你是说，让星芽成为演奏者？”
“对。”苏墨说，“它是活的。音乐应该是它表达的方式之一。”
陆临打开新项目文件，命名为【星芽自发声乐原型】。他导入多段星芽的电子音采样，开始进行音高分析与序列重组。
苏墨站起身，走到他身后看屏幕。
第一句旋律生成出来时，很短，只有四个音，但清晰可辨。
那是主旋律的开头，由星芽自己唱出来。
“这一段音乐的情绪升得不够。”她说，“画面是阳光穿透云层，墙体吸收光能开始重组，但配乐还是停留在低频震动，像在等待什么发生。它应该主动推动情绪。”
陆临停下笔，把刚才写下的弦乐编排暂时保存。他调出那一段音频，重新播放。
音轨里，心跳节拍器维持着稳定频率，环境底噪中有细微的噼啪声，模拟建筑材料的自我修复过程。钢琴主旋律在第47秒进入，轻柔，但确实没有明显的情感推进。
“你是说，这里需要生长感？”他问。
“对。”苏墨说，“不是突然变亮，是一点一点醒过来。音乐要让人感觉到时间在走，变化在发生。现在的版本太静态了。”
陆临点头。他关掉原版，新建一个轨道。手指在键盘上敲了几下，加入一组缓慢上升的合成器音群，音高从C2到G4，跨度两秒，渐强处理。
“试试这个。”他说。
音频响起。新的音色像是从地底升起的风，带着轻微震颤，逐渐覆盖原有的底噪。等到钢琴旋律再次进入时，背景已经有了向上牵引的力量。
苏墨盯着屏幕上的波形图。“可以。但别让它变成高潮前奏。这不是胜利，是复苏。节奏要稳，不能催促。”
“明白。”陆临调整包络参数，把上升速度拉长到四秒，削弱峰值强度，“再加一点星芽的声音作为过渡？比如用它启动时的那个清脆音效，拆解成碎片，在不同频率上分布。”
“可以试。”苏墨说，“但它不能太突出。星芽在这里不是主角，是见证者。”
陆临照做。他提取了一段0.6秒的电子音采样，切成五个片段，随机分布在新音群的不同位置。播放时，那些声音像露珠滴落水面，短暂泛起涟漪，随即融入背景。
苏墨听完，轻轻点头。“就这样。标记为‘生态启动’标准模板，后续同类场景统一参照。”
她滑动时间轴，跳转到第七幕“凌澈修复建筑核心”。
“这一段不一样。”她说，“它是悲壮，不是希望。主角知道代价，但他选择了做。”
陆临调出对应音轨。当前版本使用了低音弦乐叠加环境噪音，节奏缓慢，主旋律以单音形式断续出现。
“你觉得问题在哪？”他问。
“太冷静了。”苏墨说，“观众需要感受到重量。不是靠音量，是靠质感。你可以保留心跳节拍，但让它变得不稳定。比如每三拍有一次微小延迟，像是呼吸不畅。”
陆临立刻操作。他在节拍器轨道插入一组不规则的时间偏移，每次偏移15毫秒，间隔三拍触发一次。
音频播放后，原本稳定的节奏出现了轻微的滞涩感，仿佛某种机械系统正在超负荷运行。
“再加一层。”苏墨说，“用星芽的语音采样倒放，混进背景，音量压到听不清内容，只留一种类似叹息的气流声。”
陆临执行。他选中一段星芽说“检测完成”的录音，反转处理，降低采样率至8kHz，再混入底噪层。
新的音轨听起来更沉重了。那种压抑不是来自激烈冲突，而是源于持续消耗。
“好。”苏墨说，“这一段定下来。标记为‘牺牲序列’专用配器方案。”
她继续滑动时间轴，停在第五幕“星骸带探索”。
“这个场景我们之前做得不错。”她说，“空旷，脉冲式节奏，有孤独感。但现在回头看，它的识别度太高了，后面几次重复使用时，容易让观众麻木。”
陆临皱眉。“你是想让它变化？”
“不是替换，是演进。”苏墨说，“第一次出现时，它是未知的象征。第三次出现时，它应该带上记忆的痕迹。你可以在主旋律里加入一点点变形——比如把原来的五声音阶，改成缺一角的版本，少一个音，制造缺失感。”
陆临思考片刻，动手修改。他将原本的G-A-C-D-E五音序列改为G-A-C-D，最后一音不再闭合，留下悬置。
“还可以在脉冲节奏里加入轻微错位。”苏墨补充，“就像信号受到干扰。暗示星骸带本身也在变化。”
陆临在第三组脉冲后插入一次提前0.2秒的触发，打破原有规律。
播放效果出来后，那种熟悉的节奏依然存在，但多了一丝不安。
“很好。”苏墨说，“以后每次星骸带出现，都做一次微调。让音乐也成为叙事的一部分。”
她关闭时间轴视图，打开共情共振预测模型。屏幕上显示三条曲线：理想情感路径、实际画面节奏、当前音乐匹配度。
“你看这里。”她指着第七幕末端，“当角色做出决定时，音乐回升了一点，但幅度不够。你应该让主旋律在这个节点回归，哪怕只有一个音。”
陆临放大那段波形。“如果只放一个音，会不会太刻意？”
“不会。”苏墨说，“前提是它之前消失过。只要观众记得它，一个音就够了。就像小说里那句话——‘我来修’。三个字，什么时候说出来，都有力量。”
陆临沉默几秒，然后在编曲软件中标记了一个关键帧。
“我设一个触发点。”他说，“只有当画面切到凌澈面部特写时，才释放那个音。其他时候，压住。”
“可以。”苏墨说，“控制很重要。音乐不能抢戏，但必须在关键时刻在场。”
她翻到下一个场景分类表，准备讨论战斗序列的处理方式。
“我们还没碰真正的战斗场面。”她说，“平台方昨天又提了一次，要求前三集必须有冲突爆发点。他们担心节奏太平。”
陆临抬眼。“你打算让步？”
“不。”苏墨说，“但我们得回应他们的担忧。可以用音乐制造紧张感，而不是用打斗。”
“怎么做？”
“用断裂式的电子回声。”她说，“每一次心跳节拍之后，加一次短促的反射音，像是信号在衰减。随着剧情推进，反射越来越弱，最后只剩心跳，再然后，心跳也慢下来。”
陆临立即创建新轨道。他设计了一组0.1秒的短音，带有自然衰减尾音，设定为每次主节拍后0.3秒触发。
播放时，那种感觉出来了——不是进攻，是消耗；不是胜利前奏，是生命流逝。
“还可以把星芽的语音采样拆解。”苏墨说，“只留元音部分，混进去，音高慢慢下降，到最后几乎听不见。”
陆临照做。他选中一段“确认指令”的录音，提取A、E、I三个元音，分别嵌入三次回声中，每次音高降低半音。
音频结束时，室内安静了几秒。
“这不像战斗。”陆临说，“像告别。”
“对。”苏墨说，“这才是我们要的效果。”
她低头查看笔记，划掉已完成的条目，写下新的任务：【建立场景音乐分类标准】【定义主旋律再现规则】【战斗序列情感模型更新】。
“接下来。”她说，“我们逐帧核对主旋律的出现时机。它不能随便响，必须和角色抉择挂钩。”
陆临调出全片时间线。两人并排坐着，一帧一帧往前推。
每当主旋律即将进入时，苏墨就暂停，说明理由。
“这里不行。他还没想清楚。”
“这里可以。这是他第一次主动选择承担责任。”
“这里必须弱化。让他一个人面对，音乐不能替他表达。”
陆临一边听一边记录，在编曲软件中添加标记点。每个点都附带触发条件和情感权重。
两个小时后，他们完成了前十二幕的审核。
苏墨放下笔，端起水杯喝了一口。水已经凉了。
“还有一件事。”她说，“星芽的动机不能只靠乐器演奏。你要让它自己发声。用它的语音采样重构旋律，哪怕只是几个音符的重复。”
陆临看着她。“你是说，让星芽成为演奏者？”
“对。”苏墨说，“它是活的。音乐应该是它表达的方式之一。”
陆临打开新项目文件，命名为【星芽自发声乐原型】。他导入多段星芽的电子音采样，开始进行音高分析与序列重组。
苏墨站起身，走到他身后看屏幕。
第一句旋律生成出来时，很短，只有四个音，但清晰可辨。
那是主旋律的开头，由星芽自己唱出来。